스페인 예술사 노트

딱 2년전 마드리드 콤플루텐세에서 스페인 예술사 (미술이랑 건축 둘 다인데 이쪽 전공이 아니라 딱히 뭐라고 하는지 모르겠지만) 여튼 그때 마드리드의 골든 트라이앵글을 위시한 미술관들부터 톨레도, 코르도바, 그라나다 찍으며 현장학습 하는 동안 열심히 적었던 노트들 백업용 포스트. 걸어다니면서 교수님 설명 듣느라 스페인어라고 하기에도 민망한 수준의 노트지만 하여튼간에 백업.

Los dos cuadros de Goya muestran los madrileños lucharon contra los soldados franceses durante la guerra de Independencia en el año 1808. 

Esta obra representa los asesinatos del día siguiente de la guerra, cuando en la noche los soldados franceses ejecutaron a los civiles sublevados. La composición de este cuadro se organiza a partir de la iluminación para traer efecto dramática, la manera de chiaroscuro, típicamente de la época barroca. 

El hombre en el centro se vestido en una camiseta blanca que enfatiza la luz y efecto dramático de la guerra. También, hay dos grupos de personas aquí: por un lado los que van a ser ejecutados, ofreciendo su cara al espectador - cuadro abierta -  y por otro lado se encuentran los soldados franceses apuntando con sus armas. Cuando podemos ver las caras de los madrileños, Goya no ofrece las caras de los soldados, que significa la violencia es anónimo pero hay las víctimas específicamente. El hombre en el centro simboliza a Jesucristo, porque se lleva una camiseta blanca sino su postura también. 

Algunas personas creen que Goya había presenciado de esta ejecución, lo que ocurió en las colinas de Príncipe Pío, desde su casa y él estaba tan sorprendido que fue al lugar en medio de la noche y pintó los cadáveres solo con su linterna.

<El Parasol>

Un parte de decoraciones de la familia de real - tapestry

El hombre esta un servicio del noble.

Estilo Rococo - años más tarde de barroco. Muchos colores y influencia francesa. 

Cartones para tapises - formas conpletas - obras finalisas. 

Tema: la vida general de los madrilenos durante el tiempo libre - juegan, toman el sol, etc. 

<Cristo Crucificado>

- Pintura religiosa de S. XVIII

- los ojos de Jesucristo mirando arriba = pintura abierta. 

- Velázquez: Crucifixion 

- era una examen para entrar academia arte de Madrid. (San Fernando)

- tema muy potenta/fuerte, cuerpo desnudo y demonstrar su abilidad de pintar anatomia perfecta. 

- Momento antes de su muerto. (Con dolor, la opuesta de Velazquez) 

- Barroco / Rococo: menos realismo ~ Neoclasico = muy potente. 

<La Maja desnudo/vestido>

<La Familia Real de Carlos IV>

- similar a Velazquez Las Meninas

- lugar general y las caras realisticas. 

- la reina fue muy poderosa - impresion de Goya 

- fue un retrato e auto-retrato (como Velazquez)

- cuadros en el fondo 

- personalidades de cada persona

- principe de asturias : heredero de la corona

- la futura reina de españa mira al fondo porque no sabemos quien. 

<El 2 y 3 de mayo>

Los dos cuadros de Goya muestran los madrileños lucharon contra los soldados franceses durante la guerra de Independencia en el año 1808. 

Esta obra representa los asesinatos del día siguiente de la guerra, cuando en la noche los soldados franceses ejecutaron a los civiles sublevados. La composición de este cuadro se organiza a partir de la iluminación para traer efecto dramática, la manera de chiaroscuro, típicamente de la época barroca. 

El hombre en el centro se vestido en una camiseta blanca que enfatiza la luz y efecto dramático de la guerra. También, hay dos grupos de personas aquí: por un lado los que van a ser ejecutados, ofreciendo su cara al espectador - cuadro abierta -  y por otro lado se encuentran los soldados franceses apuntando con sus armas. Cuando podemos ver las caras de los madrileños, Goya no ofrece las caras de los soldados, que significa la violencia es anónimo pero hay las víctimas específicamente. El hombre en el centro simboliza a Jesucristo, porque se lleva una camiseta blanca sino su postura también. 

Algunas personas creen que Goya había presenciado de esta ejecución, lo que ocurió en las colinas de Príncipe Pío, desde su casa y él estaba tan sorprendido que fue al lugar en medio de la noche y pintó los cadáveres solo con su linterna.

- luto 

- alegato contra la guerra (no era cuadro que glorifica la guerra)

- concepto cambia drasticamente

- expresionista

<Pinturas Negras> - frescos de su casa (....)

<Saturno> titulares artificiales

- gran contrasto - unas de mas oscuras pinturas de Goya

- El rey de actual comiendo su hijo  ref. Jupiter. 

- el periodio de 'negra'

- temas muy oscuros

<Asmodea>

- el tiempo final de goya 

<Perro semihundido>

- tema es muerte - muerto del perro

- languistia, miedo de estar solo 

- futuro es representado 

- colores de la tierra

- menos obras provocan muchas sentimientos. 

<La Lechera de Burdeos>

- 1824 en Bordeaux, France

- uno de los ultimos cuadros de goya

- juxtaposicion de la mujer y el fondo (luminoso y sombreros)

- optimiso - reconcilizacion de su vida. Cara mas alegre y pequena sonrisa.

<Mezquita>

- Edificio rectangular 

- parte abierto: patio

- parte cerrado: sala de oracion

- es necesario limpiar (preparar) para entre el mezquita. 

- estructura no es original 

- mezquita es el lugar mas importante: lugar de reunion, economia, comercio, 'plaza' y el principal de la ciudad Córdoba

- S. VIII

- otro patio en response de la poblacion de la ciudad. (Poco a poco ampliando)

- la capital de Al-Andalus

- cinco pilares - cinco oraciones en el día a la direccion de Mecca. 

- Mezquita principal de la ciudad. 

- No orientado a este. Hacia el camino para tomar el islamica. 

- unica mezquita en la peninsula con mal orientacion. 

- el torre: más alta posicion por el sonido mas claro y fuerte

- campanario: bell towers

- la ciudad era una oasis

- lugar sagrado

- antigua basilica visigoda (San Vicente) - temas geometricos - cultura romana - sea mantenido porque el mezquita era construyendo sobre la basilica.

- terremotos: earthquakes

- columnas enormes abajo y mas pequenas arriba

- doble arcos: para lograr altura, también aires (y luces) Arco Herradura y mediapunto (dovelas - blancas y rojas) rojo de radillo y blanco de la piedra. Efecto mas decorativo y mas estilo de musulmane

- capiteles clasicos - todo reutilizado - no es arabe. 

- quibla (color naranja en el mapa) mas pequena, segundo parte del mezquita. Servicio por nueva poblacion. 

- añadir capillas y las columnas cambiaban. 

- elementos reutilizado y nuevos

- ventanas pequenas para luces. 

- profusion decorativa (over-extravagant) 

- primera catedral 1236 en Córdoba - conversion de mezquita a catedral (reconquista) - muy muy pequenita

- arco apuntado / robulado

- tercera navel ~ S. X época de paz - su propia personalidad en el mezquita

- clásicismo simbolico. 

- cuarta ampliacion: era un muro - mezquita era cerrada 

- ultima ampliacion es mas grande y peor tambien: peor materials y dovelas eran pintaban - todo ladrillo. No son tan poderosos. 

- estrecha menor, altura menor

- mas practica. 

- carlos V (padre de Felipe II) S. XV: mantener mezquita : renacimiento y barroca en un templo de Musulman. (Gran diferencia) 

- súper barroca: no hay ningun parte blanco. 

- replica a Sistine Chapel

<La Alhambra y el Generalife>

- Medina del Palacio Nazarie

- Napoleon destruyeron todos partes de la medina. S. XV - los soldados vivian aqui y exploitaron este lugar. 

- Palacio de Carlos V S. XVI - renacimiento italiano. 

- doric, ionic, corithio <- never finished. 

Alhambra - Alcazaba (zona militar)

Castillo Rojo / blanco descubria alhambra. 

Primer sultan - pelo rojo?

S. XIV-XVI: dos reyes construyeron palacios (otros destruyeron para Palacio de Carlos V)

Salon de Trono - la casa de Sultan

S. XVIII-XIX: totalmente abandonada. Nadie queria vivir aqui. 

S. XX: Washington escribi leyenda sobre alhambra y poco a poco a viniendo viajes de extranjeros. Reanimar la Alhambra. 

<Palacios Nazaritas>

Tres partes diferentes: oficial, privada(reservada), milita

Sala de reuniones: consejos, politicos, decoracion: ceramicas y techos (madera) - todo el muro pintado en colores. Pequena mezquita -> capilla catolica (converted) 

Mezquita - Quibla a la derecha

Sala de espera: entra la parte de oficial del palacio. Fachada: ceramica, estuco(ningun espacio) - lugar de publico, la madera de libanon

Una casa tipica arabe - pequena hall se llama (zahuan) - mantener la privacidad de la familia. La gente de la calle no puede ver que pasa en la casa. 

Tacas - simbolo de bienvenida "taquilla" - ticket office o lockers

#23 torre 

Salon de trono: al catado de la ceramica - mucha partes con colores diferentes

Marmol - cal y clara (moldes) 

Toda la geografia y caligrafia - cursiva o cufica

Ko'ran, poemas dedicado de Sultan y Ciete mil veces - Casa Real de dinastia Nazarita (No hay mas victorios de Díos) 

Harem - las ventanas especiales

Parte de leones: 

S. XIV segunda mitad por el Sultan 

Sala de sultan, sala de reyes y sala de sultana. 125 columnas 

12 leones - meces, horas, zodiacs

Jewish communities - Israel "ring of floor"

PLVS - nothing beyond.

A Imogen Cunningham se le reconoce haber desarrollado el estilo ambiental relajado en la creación de retratos. Sentía fascinación por lo que hace única a cada persona y por el hecho de que un mismo suneto sea diferente en cada momento. Sus amigos, familiares y algunos artistas protagonizaron los mejores posados de su trayectoria. A lo largo de su vida fueron muchas las personas a las que fotografió en más de una ocasión, a veces con intervalos de varias décadas. En este sentido, a las personas de su entorno más próximo se sumaron más tarde el pintor Morris Graves, la campeona de esgrima Helen Mayer, la modelo Phonenix o la artista Ruth Asawa. Entre 1933-36 retrató para la revista Vanity Fair a estrellas de Hollywood como Cary Grant y a personalidades politicas como el presidente Hoover. Sus retratos de la artista Frida Kahlo se cuestan entre los mas difindidos por todo el mundo. 

En los ultimos anos de su vida, c. se embarco en ina excepcional serie defoto de ancianos q se materializo en la monografia postuma despues 90.

Casa Museo Joaquín Sorolla: 

La casa actual que Sorolla vivió. 

Principal representante de iluminismo. (Impresionismo y Vanguardias) - la luz directamente en el lienzo. 

Más joven - un generación después. 

No fue tanto cientifico  

"Pintor de Mediterraneo" - de Valencia. 

Jardín se parece a lo en Alhambra. 

Su estudio y exibicion fueron encima de su casa. 

(Toda 3 salas tienen las ventanas claras y grandes.)

Influencia Velazqueña

1. Trata de blancas (White Slave trade)

- Sorolla joven

- en un tren; mujeres pobres - ropas y pocas equipajes. 

- 4 mujeres jovenes y un mujer vieja

- La luz entrada desde la ventana

- prostitucion. 

2. Madre (1895)

- Clotilde, su esposa, fue una modelo de su pinturas

- nacimiento de su ultimo hija: Elena. 

- Blanco - casi 6 o 7 colores diferentes del color Blanco. 

- metaphora de la maternidad

- la rosada (newborn) bebé con la madre quien sufrió. 

3. El baño de Caballo (1909)

- un niño perfecto como David; estilo de S. XIV - XVI

- Un lugar donde no hay problemas o conflictos: la playa valenciana 

- momento de la mañana (11-12) los rayos del sol en el Mediterráneo. 

4. La bata rosa (1916)

- gran época de Madurez

5 Paseo por la Orilla (1909)

- capturaba la luz

- exquisite color, light, elegance

예술사 엑스트라 크레딧 페이퍼였던가 잘 기억은 안나는데 지금 읽어보니 엄청 번역기 돌린 이 글 어쩔...

La Coronación de la Virgen

 

            Aunque esto cuadro no es una de las pinturas más celebrados de Velázquez en el Museo del Prado, como Las Meninas o Los Borrachos, lo que sin duda muestra estilo interesante de Velázquez. Se ha visto en la sección de Velázquez del Museo del Prado, que podría confundirse con el trabajo de otro pintor, ya que no tiene el mismo estilo como otras pinturas famosas. Este cuadro, sin embargo, ofrece interesante interpretación de Velázquez de estilo barroco y muestra la transición entre los estilos desde la etapa inicial hasta la etapa intermedia de su carrera.

            La Coronación de la Virgen es un cuadro pintado en 1635, óleo sobre lienzo, y su tamaño es de 176cm x 124cm. El cuadro fue encargado por Isabel de Borbón, la reina de Felipe IV, para ser colgado en el Real Alcázar de Madrid. Durante el régimen de Felipe IV, la España imperial mantuvo la posición de superpotencia en el mundo bajo la monarquía absolutista fuerte, alcanzando el cenit de su expansión territorial, sino que estaba experimentando decadencia, sin embargo. Mientras tanto, el movimiento barroco, que se suele asociar con el "absolutismo, Contrarreforma y el miedo de espacio libre", se extendió por todo el continente europeo. Esta pintura seguido claramente un estilo barroco, pero sin embargo mantiene la la simplicidad y naturalidad del propio pintor. Velázquez, durante este período de tiempo, empezaba a ganar fama y posición concreta dentro de la corte española. Pintado poco después de su primer viaje a Italia, comenzó a desarrollar un nuevo estilo, que más tarde se conoció como la segunda etapa de sus estilos. La pintura se distingue de sus anteriores trabajos, en su mayoría retratos de la familia real. Muchos factores artísticos demuestra similitudes con la escuela italiana de pintura de la época, así como sus pinturas durante el viaje, como Vista del Jardín de la Villa Médicis, en Roma. Él, sin embargo, utilizó ambos estilos simultáneamente sin ningún defecto, teniendo en cuenta que pintó cinco series de Felipe III y Felipe IV, así como Felipe IV de castaño y plata I, que destaca la singularidad y la inteligencia del artista aún más.

            La Coronación de la Virgen es también una de las raras pinturas religiosas de Velázquez. Aparte de mostrar características italianos del movimiento artístico, también tiene una estructura muy significativa. La estructura de la obra mantiene el equilibrio extremo, líneas armoniosas y reminiscencia mientras que con éxito la incorporación de numerosos simbolismos. En la parte izquierda del cuadro, hay una figura de Jesucristo y de Dios el Padre de la derecha, que es representado como un viejo hombre digno. Juntos, ellos están sosteniendo una corona sobre la cabeza de Virgen. En la parte superior de la pintura, el Espíritu Santo se representa como una forma de paloma blanca. Las dos figuras de la cabeza y la paloma son todos nivelada, en la línea de la base del triángulo, que representa a la igualdad de las tres figuras de la Trinidad. La iluminación central para el retrato que viene del Espíritu Santo, con halos poco detrás del Cristo Jesús, Dios y la Virgen. Dirige la atención de los espectadores hacia el centro, donde todos los protagonistas principales son, y pone de relieve la importancia de la pintura. La Virgen se coloca en el medio de la pintura, que muestra el protagonista principal de esta obra es ella. Se la representa con una expresión modesta, reverencial, y emocional, los ojos bajos y los labios curvados. La Virgen María, Jesucristo, y Dios consisten de un triángulo invertido en la pintura, simbolizando a los otros "Trinidad." El triángulo invertido, sin embargo, también parece un corazón, así, que se destaca por la Virgen María, apuntando a su corazón . Esto probablemente simboliza el amor incondicional que María dedicado a su hijo, así como los sacrificios que Jesucristo hizo por el bien de la humanidad. El Dios también envió a su hijo para salvar a la humanidad, una acción que sólo se deriva de un amor verdaderamente incondicional. Además, la Virgen María es representada como la reina del cielo, de pie en la nube con querubines en la parte inferior del cuadro. La ropa de color rojo y azul también mejoran la noción de la Virgen María es la reina. El rojo en esta pintura parece ser carmines, una combinación de rojo y negro, que era poco convencional en la época. Este color también se asemeja a un corazón, haciendo hincapié en la importancia del amor.

            Aunque es una tema tan rara por Velázquez, hábilmente construido una obra maestra, la incorporación de estilos artísticos tradicionales, sin perder su estilo propio y único. Muchas de sus obras posteriores son más famosos y tienen un mayor número de fans, incluido yo mismo, pero esta pintura simplemente muestra lo brillante que es Velázquez y cómo él tuvo éxito en una amplia gama de estilos. No hay duda de que Monet llamado Velázquez como "lo mejor de lo mejor".